GUCCI “艺术家此在”的观看要点

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2018 年 10 月 11 日，古驰联合莫瑞吉奥•卡特兰（Maurizio Cattelan）带来的展览“艺术家此在”（The Artist is Present）在上海余德耀美术馆正式亮相。

这是自亚力山卓∙米开理（Alessandro Michele）成为古驰的创作总监后，品牌举办的第三个跨界艺术展览。当代最有影响力的艺术家之一莫瑞吉奥•卡特兰作为策展人，邀请了 30 多位艺术家在 17 个房间和他一起探讨创意领域最为敏感却又无可回避的话题：复制、挪用之于当下的意义。对于参展艺术家来说，这是个惊险指数和精彩指数成正比的游戏，卡特兰是游戏的设计者，也是参与者。而对于观众来说，这场展览更像是一堂当代艺术史的简易梳理课，穿插于其中的线索似乎需要严密的观看才能完全拆解。

// mars 的精选展品（按房间顺序） //

卡普瓦妮•基万

《粉-蓝》，2017

贝克-米勒粉色涂料，白色荧光灯，蓝色荧光灯

尺寸可变

艺术家及巴黎 Jérôme Poggii 画廊/Goodman 画廊(约翰内斯堡/开普敦)/柏林 Tanja Wagner 画廊提供

《粉－蓝》是卡普瓦妮・基万基于她对 19 到 20 世纪社会卫生运动和医院改革的持续研究而创作的作品。艺术家希望通过颜色对人类精神状态作用的研究成果，试探建筑心理学在展厅内是否依旧有效。作品前半段的粉色，据说可以让人心率放缓、脉搏和呼吸频率降低，以及减少攻击性行为。后半段走廊中的蓝色，被广泛运用于公共场所，因为它能降低静脉的可见度，从而阻止人们从静脉注射药物。

菲利普·帕雷诺 (Philippe Parreno)

1964 年出生于阿尔及利亚奥兰常驻法国巴黎

《言语气泡(金色)》，2009

金色聚酯薄膜气球，氦气填充

尺寸可变

各位对于菲利普・帕雷诺这个名字应该并不陌生。去年，帕雷诺曾在上海外滩美术馆举办中国的首次个展“共此时”。《言语气泡》是菲利普・帕雷诺于 1997 年开始创作的系列装置作品，大量对话框式的单色气球漂浮在展厅的上方，覆盖了天花板。气泡里空无字句，却让人感到压抑。在不同场地展示时，帕雷诺会将这些气泡设计为不同的颜色。此次展览，艺术家选择了金色。

与帕雷诺的《言语气泡》一上一下遥相呼应的作品同样大有来头。美国焦点观念艺术家劳伦斯・维纳（Lawrence Weiner）的作品《一遍又一遍，一遍又一遍，一遍一遍又一遍，一遍一遍又一遍》（OVER AND OVER. OVER AND OVER. AND OVER AND OVER. AND OVER AND OVER）以语言符号的形式出现在地面上。作为较早使用文字作为作品媒介的当代艺术家之一，维纳将语言本身作为表达媒介和雕塑素材，在视觉呈现上以不同的结构对应现实世界中的种种关系。

莫瑞吉奥•卡特兰

《无题》，2018

壁画，松木，钢

392.7 x 713.2 x 272.4 cm

艺术家提供

将在信徒心中拥有重要地位的梵蒂冈西斯廷教堂缩小到六分之一，会是怎样的一番景象？如果将大名鼎鼎的历史珍迹搬到墨西哥，搬到美国，搬到中国，就像巡回演唱会那样，是否合理？卡特兰希望借这件作品挑衅人们的传统观念，并对公共文化形象的挪用提出新的建议。他坦言：“我感兴趣的是一些图像的内在力量，永久地留在你的头脑中。这种印象和影响力密不可分——你能创造的印象越多，你的影响力就越大。我为能让一样事物被疯狂传播的能力所吸引：这感觉就像拥有了人类可以拥有的超能力。”

喜欢卡特兰的朋友们在《艺术家此在》展览现场还能看到他专门复刻的迷你代表作。这个名为“卡特兰制造”的项目是艺术家为此次展览全新创作的。2011 年，卡特兰曾在古根海姆美术馆举办过大型回顾展，之后便宣布退休。当年的他，把所有的代表作错落有致地吊在了展厅中央。

拉格纳·基亚尔坦松 (Ragnar Kjartansson)

1976 年出生于冰岛雷克雅未克常驻雷克雅未克

《我曾曾曾祖母的歌》，2018

表演

冰岛艺术家拉格纳・基亚尔坦松的《我曾曾曾祖母的歌》是一件融合了舞台装置和现场表演的艺术作品。他的创作不仅受到女权主义运动的影响，也将悲观与幽默间存在的摩擦，渴望和失落间隐藏的忧郁，表现得淋漓尽致。

在《我曾曾曾祖母的歌》中，扮演艺术家曾曾曾祖母的是一名年轻的女性，她毫无变化的面部表情，让整个人看起来像是静止在声音中的雕塑。每隔 10 分钟，这位表演者会在现场演唱冰岛传统民歌《瓦森达罗萨之歌》。这首歌的创作者罗萨是个多情的女人，她爱上了许多男人，其中之一就是艺术家的曾曾曾祖父。

《我曾曾曾祖母的歌》歌词是这样唱的：“你的眼睛，我的眼睛，如珍贵的钻石，你属于我，我属于你，心意昭然若揭。许久未见，他英俊的脸庞，人类的一切美好品质，他悉数拥有。思念绵延，痛心，以泪洗面，亲爱的朋友，唯愿从未相遇。”

吉莉安•韦英

《模仿我母亲琼•格雷戈里的自拍像》，2003

黑白冲印

150 x 131 cm

艺术家提供

Naomi Milgrom（澳大利亚维多利亚州）所有

《模仿我父亲布莱恩•韦尔林的自拍像》，2003

黑白冲印

164 x 130.5 cm

艺术家提供

私人租借

英国著名当代艺术家吉莉安•韦英的摄影作品《模仿我母亲琼•格雷戈里的自拍像》与《模仿我父亲布莱恩•韦尔林的自拍像》是本次展览中一目了然的点题式佳作。为了完成该系列自拍，艺术家在当年曾依照母亲、父亲、姐姐、祖母和她 17 岁时的自己制作了完整面具。吉莉安•韦英借着伪装的自己找到了身体内部和外部之间的裂痕，并试图引导更多关于身份、记忆和摄影媒介准确性的思考。

另外，满分推荐最后一个房间的邮筒中《纽约时报》的“替身”《新作时报》。报纸可以被视作“艺术家此在”展览的副刊和延伸。内容从艺术史、哲学、文学和社会新闻等角度，呈现了挪用、模仿和真实之间多变复杂的关系。在复制有着无限潜力的当代社会，“灵光”（Aura）的定义是否更加多元？看过展览之后，又有哪些当代艺术中不容忽视的相关线索需要串联？或许在这份刊物中，都能找到答案。

// 开幕现场的花絮一则 //

正如莫瑞吉奥•卡特兰所言：“复制就像亵渎：它可以被视为对上帝的不敬，但同时也是对其存在的郑重确认。” 在开幕现场的卡特兰，手中拿着一顶附上假发的帽子，戴上之后，与古驰创意总监亚力山卓∙米开理宛若双胞胎，令人困惑。事实上，卡特兰在过往作品中，借用过不少名人的身份。早在 1998 年，他就曾让一名演员戴着面具，装扮成卡通版的毕加索（Pablo Picasso），在纽约现代艺术博物馆（MoMA）的门口迎宾。这个略显顽皮的戏谑举动，巧妙地将一位现代主义艺术大师转变成了流行文化的标志。